Arte y educación

Blog de arte outsider

2012-02-19T10:44:00.000-08:00

Recientemente he descubierto el blog El hombre jazmin, de Graciela García, y ya se ha convertido en uno de mis sitios favoitos. Está dedicado al arte outsider. Con esa expresión (o también art brut o arte marginal) se conoce normalmente el arte realizado por personas que crean fuera del circuito y del mundo del arte oficial, que experimentan la necesidad de crear y que lo hacen siguiendo sus propios deseos y pautas creativas, normalmente sin una formación artística especíica y alejados de modas y corrientes estéticas. El arte outsider viene siendo objeto de atención de investigadores y artistas desde hace más de un siglo.

Creo que no hay muchos sitios web de esta calidad en castellano enfocados en esta temática. El blog está muy bien escrito y organizado y ofrece una abundante información. Sus entradas cubren un rango de conceptos y de artistas amplio, documentado y muy sugerente. Altamente recomendable.

Congresos de educación artística 2012

2012-02-14T03:51:00.000-08:00

Este año 2012 se presenta cargado de congresos y jornadas de educación artística o de temáticas muy afines, de momento aquí van unas cuantas referencias:

En abril, el 19, 20 y 21 tendrá lugar en Jaén el IV Congreso Internacional de Educación Artística y Visual, con el subtítulo: Aportaciones desde la periferia.

Del 25 al 27 de junio, el Congreso Europeo 2012 de InSEA, la International Society of Education through Art, que se celebra en Chipre.

Del 23 al 25 de Julio, en la Universidad de Aveiro, en Protugal, el 2º Congreso internacional de Arte, Ilustración y Cultura Visual en la Infantil y Primaria

En octubre, del 15 al 18 en Madrid, se va a celebrar el "I Congreso Internacional de Educación Patrimonial. Mirando a Europa, estado de la cuestión y perspectivas de futuro". La página web de este congreso no está disponible de momento, en cuanto lo esté, la actualizaré en esta entrada.

Y finalmente los días 8, 9 y 10 de noviembre, en Valencia, se organizan las IV Jornadas internacionales de Investigación en Educación Artística

Antoni Tàpies: una invitación a mirar

2012-02-07T03:49:00.000-08:00

Hoy circulan muchas imágenes de Tàpies en todos los medios. Yo propongo un texto. Este texto de Tàpies me gusta mucho. Lo uso en mis clases. Creo que es una bonita invitación a mirar las cosas, no solo el arte, de una forma nueva. Sirva como pequeño homenaje a este gran creador.

"El juego de saber mirar"

Antoni Tàpies

A los jóvenes amigos de Cavall Fort

"¿Cómo hacer para mirar limpiamente, sin querer encontrar en las cosas lo que nos han dicho que debe haber, sino simplemente lo que hay?

He aquí un juego inocente al que os propongo que juguemos.Cuando miramos, normalmente solo vemos lo que se nos da a nuestro alrededor: cuatro cosas a veces muy pobres vistas solo por encima en medio del infinito.Mirad el más sencillo de los objetos. Tomemos, por ejemplo, una vieja silla. Parece que no es nada. Pero pensad en todo el universo que incluye: las manos y los sudores cortando la madera que un día fue árbol robusto, lleno de energía, en medio de un bosque frondoso en las altas montañas, el trabajo amoroso que lo construyó, la ilusión que la compró, los cansancios que ha aliviado, los dolores y las alegrías que habrá aguantado, quién sabe si en grandes salines o en pobres comedores d barriada...Todo, participa de la vida y tiene su importancia, Hasta la silla más vieja lleva la fuerza inicial de aquellas savias que ascendían de la tierra, alli en los bosques, y que aún servirán para calentar el día en que, astillada ya, arda en algún hogar.

¡Mirad, mirad a fondo! y dejaos llevar plenamente por todo cuanto hace resonar dentro de vosotros lo que nos ofrece la mirada, como quien va a un concierto con el vestido nuevo y el corazón abierto con la ilusión de escuchar, de oír sencillamente con toda su pureza, sin querer a toda costa que los sones del piano o de la orquesta hayan de representar forzosamente un determinado paisaje, e el retrato de un general, o una escena de historia. A menudo se querría reducir la pintura a esta mera representación.

Aprendamos a mirar como el que va a un concierto. En la música hay formas sonoras compuestas en un fragmento de tiempo. En la pintura formas visuales compuestas en un pedazo de espacio. Se trata de un juego. Pero jugar no significa hacer las cosas "porque sí", Jugando...jugando, de pequeños, aprenderemos a hacernos mayores. Jugando..., jugando, hacemos crecer nuestro espíritu, ampliando el campo de nuestra visión, de nuestro conocimiento. Jugando...,jugando, decimos y escuchamos cosas, despertamos al que se a dormido, ayudamos a ver a quién no sabe o a quien le han tapado la vista.

Cuando miráis, no debéis pensar nunca lo que la pintura o cualquier cosa de este mundo "ha de ser", o lo que muchos quieren que se limite a ser. La pintura puede serlo todo. Puede ser una claridad solar en medio de un soplo de viento. Puede ser una nube de tormenta. Puede ser la huella del pie de un hombre en el camino de la vida, o un pie que ha golpeado el suelo, ¿por qué no?, para decir "¡basta!". Puede ser un aire dulce de alborada, lleno de esperanza, o un aliento agrio que despide una cárcel. Puede ser lo que somos, el hoy, el ahora y el siempre.

Yo os invito a jugar, a mirar atentamente..., yo os invito a pensar."

Extracto del libro de Antoni Tàpies: Tàpies, A. (1971). La práctica del arte. Ariel, Barcelona.

Añado unos enlaces a las hemerotecas de los principales periódicos que recogen el gran número de artículos publicados con motivo de su muerte:

Tàpies en el País
Tàpies en El ABC
Tàpies en EL Mundo

Más información sobre Tàpies: www.fundaciotapies.org

Reflexiones desde el arte sobre la enfermedad mental

2012-01-31T11:40:00.000-08:00

Quería compartir el trabajo del artista Javier Téllez (Venezuela-1969), residente en Nueva York, que he descubierto a través del blog construyendo fotografías y cuyo trabajo me ha parecido realmente interesante. Hijo de psiquiatras y nieto del dueño de un cine, Télllez propone una reflexión crítica sobre la idea de enfermedad mental, cuestionando este mismo concepto y los estigmas y mitologías que genera socialmente.

Cada vez que Téllez es invitado a participar en un evento artístico contacta con alguna institución psiquiátrica del lugar y propone a un grupo de voluntarios entre los pacientes la posibilidad de trabajar juntos. Me ha gustado mucho la idea que señala de que siempre comienza su trabajo a partir de una imagen que él lleva como regalo a los pacientes. A partir de esa imagen que puede ser una escena de una pelicula, se genera un trabajo colaborativo, que ha dado lugar en varias ocasiones a películas rodadas por los propios pacientes.

Escena de Oedipus Marshall (2006) de Javier Téllez

Muchas de estas películas están basadas o inspiradas en obras clásicas como la Pasión de Juana de Arco de Dreyer, realizada para la bienal de Sidney sólo con mujeres, y en la que la figura de Juana de Arco se transforma en una paciente psiquiátrica. Otras películas clásicas sobre las que ha trabajado han sido El Gabinete del Doctor Caligari o Oedipus Marshall (2006), una referencia a los clásicos del cine del Oeste en la que los pacientes llevan máscaras del teatro Noh japonés. Otras obras se han basado en referencias clásicas como la parábola de los ciegos y el elefante o el grabado del rinoceronte de Durero.

Escena de The elefant and the blind men (2008) Javier Téllez

Una crítica sobre la representación del otro, una reflexión sobre las máscaras, los límites, la comunicación no verbal, sobre lo que somos y cómo nos vemos a nosotros y a los demás, un montón de ideas sobre las que pensar. Recomiendo el programa de Metrópolis sobre este artista. Así como la entrevista para la revista venezolana Estilo del año 1996.

Tutorías de Arte

2012-01-11T03:13:00.000-08:00

Es necesario diversificar, pensar creativamente y profundizar en las formas de relación entre las instituciones artísticas y culturales y las escuelas. Hace unas semanas escribí una entrada sobre el programa del Museo del Prado para públicos con discapacidad, destacando cómo es importante crear vínculos de trabajo y de acompañamiento con los centros educativos que vayan más allá de la visita guiada al museo o los talleres posteriores. Querría referirme en esta ocasión a otra iniciativa de educación a través del arte en la que instituciones culturales de Barcelona y centros escolares han trabajado conjuntamente. Reflexionart: tutorías de Arte, que así se llama la propuesta, ha sido concebida por el grupo de trabajo en Lenguajes Artísticos del Consell de Coordinació Pedagògica de Barcelona, con el objetivo principal de unir instituciones culturales y centros educativos en una reflexión sobre un tema común. En esta primera experiencia piloto, realizada en el curso 2010-2011 el tema tratado ha sido el género, es decir todo lo relacionado con los roles, las identidades y la construcción cultural de género entendido como una temática transversal. Para trabajar este tema se ha recurrido al patrimonio cultural de la ciudad y ha sido a partir de las obras escogidas por cada institución desde donde se ha planteado la reflexión sobre esta temática. Desde cada institución se ha realizado un acompañamiento al trabajo escolar sobre la temática elegida.


Esta imagen y las siguientes son de la exposición realizada en el Museo Picasso en octubre de 2011

En total han participado 8 escuelas de Barcelona y las siguientes instituciones: Teatre Nacional de Catalunya, el Teatre Lliure, Casa Asia, la Fundació Antoni Tàpies, la Fundació Godia, el Museu Barbier-Muller, el MACBA, el Museu Disseny HUB, el Museu de la Música o el Museu Picasso. Entre las escuelas participantes ha habido edades y propuestas muy diferentes, por ejemplo cómo nos vestimos los hombres y las mujeres o cómo resolvemos nuestros conflictos. Con el resultado del trabajo ha habido una exposición en el Museo Picasso durente el mes de octubre de 2011, una referencia sobre el trabajo y la exposición puede leerse en el propio blog del museo. También se ha creado una página en flickr con las fotos de la exposición y son accesibles así mismo algunas de las propuestas de colaboración mediante la plataforma documenta.

Wonderland: soñar el dibujo infantil

2011-12-10T04:08:00.001-08:00

Afternoon nap, 2004, Yeondoo Jung

Hace poco he podido recuperar la referencia de un artista al que descubrí hace unos años en una exposición en Madrid, en la galería Espacio Mínimo, cuyo trabajo me gustó y sorprendió mucho. Se trata de Yeondoo Jung (Jinju, Corea, 1969), un fotógrafo que en el año 2004 comenzó su proyecto Wonderland, en el que se dedica a escenificar y fotografíar dibujos de niños.

El proceso de trabajo de este proyecto viene explicado en la nota de prensa que editó la galería con motivo de su exposición en el año 2006: "estuvo durante cuatro meses colaborando en clases de arte de varios parvularios de Seúl y coleccionó 1.200 dibujos realizados por niños de entre 5 y 7 años, de los que seleccionó un pequeño número para interpretarlos fotográficamente. Después reclutó a 60 adolescentes, alumnos de instituto, a los que invitó a representar ante su cámara a los personajes de esos dibujos. Para recrear los dibujos infantiles del modo más exacto posible contrató a cinco diseñadores de ropa e hizo construir el mobiliario y el atrezzo en las mismas proporciones y con la misma perspectiva que aparecían en ellos."

Miss Sparkle springles de the magic, 2004, Yeondoo Jung

I am coloring, my mom and sister taking a picture, 2004, Yeondoo Jung

Me encanta la idea de que los dibujos infantiles, aparentemente banales para los adultos, cuando son trasladados a las tres dimensiones nos descubren ese universo mágico, onírico y a veces incluso algo inquietante.

Muchos artistas, desde principios del siglo XX, se han inspirado en el dibujo infantil. Sin embargo, como en anteriores referencias históricas, se trata también de un universo infantil interpretado por el adulto, Yeondoo Jung no trata de llevar a cabo una reproducción exacta de la escena, cambia formas y colores, potenciado esa escenografía entre surrealista, kitsch o de dibujo animado y en muchas de sus recreaciones aporta cambios que conectan esa universo infantil con elementos del contexto social y cultural del artista. Volviendo a la nota de prensa: "A través de su recreación refleja la diversidad de la vida contemporánea, las ideas occidentales y los movimientos expresados por la globalización y la creciente intimidad con el resto del mundo que les hace reconsiderar sus propias costumbres sociales, límites e historia, como ciertos prejuicios y tradiciones acerca de raza o de género". Así, interpreta las figuras de dos personajes de blanco llevando flores como una boda gay, o aparecen referencias a los suburbios chabolistas en las hiperdesarrolladas ciudades asiáticas o de la estética y modo de vida adolescente.

Modern Wedding, 2004, Yeondoo Jung

The rich and the poor, 2004, Yeondoo Jung

Otros de sus trabajos disponibles en su página web me han parecido especialmente interesantes y enlazan con esta idea de hacer realidad un universo mágico o de sueños, como por ejemplo en la serie Bewitched, donde escenifica los sueños de una serie de personas de distintas edades y procedencias.

El Prado para todos

2011-12-07T09:01:00.000-08:00

Hace ya más de 30 años desde las recomendaciones hechas en Mexico en la 13 asamblea internacional de ICOM en la que se exhortaba a los museos a considerar dentro de su oferta educativa y de accesibilidad a todas las personas con cualquier tipo de discapacidad. En nuestro país este proceso de ampliación del concepto de público a comunidades o colectivos con discapacidad ha sido muy lento. Por eso es de agradecer que los museos españoles vayan consolidando su oferta en este sentido y creando programas educativos cada vez más coherentes e inclusivos.

El Museo del Prado creó en el año 2006 el programa El Prado para Todos y desde entonces elequipo del museo viene trabajando con públicos con algún tipo de discapacidadfísica, sensorial o intelectual como trastornos del espectro autista, enfermosde alzheimer, personas con discapacidad intelectual, y desde el pasado año, atendiendotambién a personas en riesgo de exclusión social. A este programa se apuntan los centros interesados en participar cada año y que se comprometen a trabajar dentro de la metodología propuesta por el museo.

La metodología de trabajo consiste en:

1. Una primera reunión del educador del museo con losresponsables de los centros y grupos que se han inscrito en el programa. Enesta reunión se tratan aspectos como la definición del grupo participante, lametodología que se va a emplear, la dinámica de trabajo de los profesionales, etc.

2. Una visita del educador del museo al centro para trabajardirectamente con el grupo que hará la visita y desarrollar una sesiónpreparatoria que en función de las características del grupo variará sucontenido, pero en la que, en general, se establece una primera conexión entrelos usuarios y el espacio físico y simbólico del museo y con las obras que se van a visitar y la temática que setratará. En esta sesión y en función de las características del grupo, suele plantearse un trabajo creativo que implique de forma más experiencial y emocional a los usuarios con alguna de las obras que se verán en la visita.

3. Una tercera sesión o visita guiada en el museo, llevada acabo por el educador del museo y en la que se atiende a las necesidadesespecíficas de cada grupo y en la que se conecta con lo trabajado en la sesiónprevia.

Es interesante que el museo se preocupe de realizar unseguimiento previo y posterior de los grupos y que el énfasis se ponga en elcarácter educativo de la experiencia, que va más allá de la visita guiadaadaptada al uso. En esta línea se entiende también elcompromiso que el museo exige a los centros y sus equipos de educadores contodo el proceso. Tras la visita el museo ha logrado establecer con algunos centrosun vínculo más estable que les está permitiendo desarrollar untrabajo educativo posterior muy interesante. Un ejemplo es la colaboración con el centro de autismo PAUTA. Los usuarios de PAUTA están creando un cómic con sus propios dibujos y con pictogramas en el que relatan su experiencia en el Prado y que se pretende pueda convertirse más adelante en un recurso didáctico que pueda ser de utilidad para educadores y para otros públicos con necesidades educativas especiales.

El programa está teniendo bastante éxito y cada año el número de centros inscritos aumenta. Creo que es un buen programa que el Prado debería irampliando con los años, dotándolo de más recursos que ayuden adesarrollar un trabajo educativo más profundo y estable. Para esto debeconsolidarse un cambio de mentalidad en estas grandes instituciones museísticas,acostumbradas a priorizar otro tipo de eventos y funciones sobre las tareaseducativas. Confiemos en que se haya iniciado un camino que no contemple lavuelta atrás.

Chiura Obata, sensibilidad y naturaleza

2011-11-15T10:39:00.000-08:00

Mother Earth, de Chiura Obata, 1912, Museo De Young, San Francisco

Hace un mes escribí un post sobre la artista Ruth Asawa, a la que descubrí este verano en San Francisco, en el Museo de Young. Tenía pendiente hacer una referencia a otro artista que descubrí en ese mismo museo: Chiura Obata.

Paseando por las salas del museo me llamó bastante la atención un cuadro de gran tamaño: Mother Earth e indagando descubrí el trabajo de este artista, con claras conexiones con Ruth Asawa. Ambos fueron artistas inmigrantes, llegados a California con su familia desde Japón a principios de siglo y ambos sufrieron las consecuencias que el ataque japonés a Pearl Harbour tuvo para los japoneses residentes en los Estados Unidos. A pesar de que en 1941 era profesor de arte en la Universidad de Berkley, Obata fue internado durante 3 años en un campo de concentración.

Chiura Obata, Setting sun, 1927

Su trabajo, aún habiendo sido creado en su mayor parte en los Estados Unidos, está muy influenciado por la cultura y el arte japonés. Su temprana formación artística y caligráfica en su país de origen marcaron la deriva de su trabajo posterior. Su obra tiene un profundo mensaje ecológico y de comunión con la naturaleza en una clara concepción oriental, pero encuentro en él resonancias también occidentales, como pueden ser las claras similitudes con los paisajes de Georgia O'Keeffe o con las fotografías del mismo Ansel Adams. Con el fotógrafo compartía la pasión por el parque natural de Yosemite, lugar en el que se inspiró para muchas de sus obras.

Invito a conocer la curiosa e interesante página web dedicada a su trabajo, que me ha parecido un bonito ejemplo de sensibilidad, de intento por "escuchar" la naturaleza y de capacidad para expresar la conexión entre dos culturas.

Nuevas miradas sobre el juego simbólico

2011-11-03T13:39:00.000-07:00

Me gustaría recomendar un libro que ha publicado hace unos meses la editorial Graó. Se trata de "El juego simbólico" escrito por Ángeles Ruiz de Velasco Gálvez y Javier Abad Molina. Publicado en la colección Biblioteca de Infantil y prologado por Vicenç Arnáiz, este libro aborda el juego simbólico de una forma bastante completa al ser tratado desde varias perspectivas disciplinares de forma complementaria: psicología, antropología, psicomotricidad, expresión artística, y por supuesto con un planteamiento pedagógico que recorre todo el libro. Se beneficia el texto de la experiencia, el conocimiento y el buen criterio que tanto Ange Ruiz, como Javier Abad, le aportan desde sus dos trayectorias vitales como educadores y en el caso de Javier Abad, también como artista. En el libro se trata desde la formación del símbolo o el sentido y desarrollo de la actividad ludica en el niño, hasta el análisis de los espacios infantiles para el juego y sus posibilidades, ya sean urbanos, naturales o escolares.

El libro combina rigor y capacidad de sugerencia, es inspirador y es práctico. Posee una serie de orientaciones muy claras para padres o educadores, sobre formas de activar y promover los juegos simbólicos infantiles y de aprender de ellos. En todo el libro las referencias al arte son constantes, teniendo un especial protagonismo el arte contemporáneo, especialmente la instalación o el land art, es decir aquellas prácticas que modifican el espacio y lo significan mediante diversas estrategias creativas. En relación con esto y para las personas interesadas en las relaciones entre instalación-juego-escuela, me gustaría recomendar también la tesis doctoral de Javier Abad, de acceso libre en la base de datos de la Universidad Complutense de Madrid, donde el autor ha desarrollado una completa investigación en esta temática, parte de la cual se muestra en el libro.

Muralismo latino en San Francisco

2011-10-25T01:17:00.000-07:00

Casa de las mujeres del barrio de The Mission, obra: Maestrapeace (1993). LLevada a cabo por Susan Kelk Cervantes, Juana Alicia, Miranda Bergman, Edythe Boone, Meera Desai, Yvonne Littleton y Irene Pérez*

Este verano en San Francisco tuve la suerte de recorrer, acompañado por una amiga, la artista Paz de la Calzada, el barrio de The Mission. Se trata del barrio latino de la ciudad y en él se encuentra la mayor concentración de murales comunitarios de San Francisco, y probablemente, una de las mayores de todo Estados Unidos. El nombre del barrio hace referencia a las antiguas misiones religiosas españolas que se instalaron en la zona en el siglo XVIII y a partir de las cuales se crearon los asentamientos urbanos que dieron nombre a la zona.

El fenómeno del muralismo latino comunitario surgió a finales de los 60 y principios de los 70 en Estados Unidos y el barrio de la Misión de San Francisco fue uno de los puntos de referencia de este movimiento. Indudablemente poseía una gran influencia formal y conceptual de los grandes muralistas mexicanos como Rivera o Siqueiros pero digamos que se planteó en los márgenes del mundo del arte institucionalizado, a una escala más local y desde un planteamiento social más participativo. En esas décadas se vio potenciado por la relevancia de los planteamientos de arte activista y comunitario y por la necesidad social de que el artista se implicase en los problemas de la comunidad, dando voz y visibilidad a los colectivos que no la tenían y tratando de mejorar la calidad de vida de entornos urbanos desfavorecidos. Con la realización de estos murales, los vecinos veían reflejada una parte de su historia en su paisaje urbano, creándose de esta manera, mayores vínculos con el territorio. Hay que decir que este movimiento ha estado desde sus inicios poco considerado desde el ámbito de la crítica de arte si bien en los últimos años, desde la perspectiva del auge del street art y el arte público de nuevo género, esta fenómeno se ha revisado desde otra óptica. No obstante hay que decir que en EEUU han existido desde los años setenta, a diferencia de lo que ocurre en nuestro país, programas y apoyos al arte público desde las autoridades locales y nacionales, lo que ha contribuido en parte a mantener estas prácticas.

Estos murales se realizan por artistas de la localidad, que trabajan generalmente en colaboración con los vecinos y residentes del barrio que participan en la realización de la pintura. Se tratan normalmente temáticas en relación con la identidad latina, con la reivindicación de su cultura y su historia. En algunos casos utilizando una iconografía propia de la mitología o la religión latina, en otros, mediante la narración de historias comunes, como las derivadas de la inmigración y sus consecuencias. En otros casos los murales relatan hechos acaecidos en el barrio o la ciudad o reivindican la memoria de algún residente. Como ejemplo podemos hablar de Maestrapeace, la obra que está representada al inicio de esta entrada, en ella trabajaron las siete artistas citadas y más de 70 voluntarios en difíciles condiciones debido a la altura del edificio. El mural supone un tributo a la mujer y a la lucha por sus derechos desde una perspectiva multicultural plagada de referencias históricas (entre ellas la premio Nobel de la Paz, Rigoberta Menchú). Esta obra está considerada Monumento Público Nacional.

Maestrapeace

Es muy interesante comprobar la variedad estilística y conceptual de los murales en un abanico de registros que incluye desde los estilos más realistas y cercanos a una "estética popular" hasta una estética más cercana al graffiti o street art, con el uso de stencils, tags, fotografías, etc. En cualquier caso la variedad es tal que no se puede establecer un único patrón y constituye un paisaje urbano visual de extraordinaria riqueza.

Fragmento del mural " 500 años de Resistencia" 30 X 8 mts. Iglesia San pedro, San Francisco California, 1992. De Isaías Mata.

Sirron Norris, Victorion: el defensor de la misiónEsta imagen y las dos de debajo pertenecen al mural: Five Sacred Colors of corn, de Susan Kelk Cervantes y Mia González

El corazón de este movimiento es el Precita Eyes Muralist. Se trata de una asociación creada en 1977 por el matrimonio Luis y Susan Kelk Cervantes, destinada a promover el arte del mural en el barrio, desde el principio con una clara intencionalidad pedagógica y de implicación social y comunitaria. Esta organización, promueve y apoya la creación de murales, realiza tours por el barrio, desarrolla talleres y actividades educativas y es a la vez un archivo de toda la historia de este fenómeno en el barrio.

Para las personas interesadas en esta temática, recomiendo un libro que se llama Street Art San Francisco. Mission Muralismo. Se puede encontrar en Amazon, está muy bien documentado visual y textualmente.

Esta página es la de una muralista de San Francisco que hace un trabajo realmente interesante: www.monacaron.com

Una muy buena web dedicada al street art, ya no únicamente de San Francisco sino de cualquier parte es esta: http://www.stencilarchive.org/

* Todas las fotos de este post han sido tomadas por Alfredo Palacios

Arte e Inclusión social. Prácticas en América

2011-09-29T10:46:00.000-07:00

Telas pintadas en el taller de JAMAC

Los días 15 y 16 de septiembre asistí al seminario Arte e inclusión social. Prácticas en América, organizado por el Museo Picasso de Málaga. Creo que fue un evento realmente interesante y con unas ponencias seleccionadas con muy buen criterio. La idea del seminario era dar a conocer proyectos artísticos de referencia en el contexto de América del Sur, que tuviesen una intencionalidad de intervención social y de integración en el contexto. Las propuestas seleccionadas por Paulo Portela, coordinador del seminario y educador jefe del Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), proponían también una reflexión sobre el papel de las instituciones culturales como agentes de inclusión social.

Dentro del enfoque museístico y desde el papel de las instituciones culturales, Paulo Portela abrió el seminario relatando unas interesantes experiencias educativas del MASP que tiene un programa de trabajo con los policías militares de Sao Paulo, con vistas a reducir el estrés que les produce su trabajo y que utiliza el arte como un medio para expresar sus emociones, miedos, ideas y a reflexionar sobre su vida y su trabajo.

El brasileño Celio Turino realizó una interesante reflexión sobre el concepto de cultura y expuso el programa del gobierno brasileño de creación de Puntos de Cultura.

Mª Carmen González, explicó el programa educativo Think Art, de la Fundación Cisneros, que lleva el arte a las escuelas de muchos barrios desfavorecidos de ciudades de América del Sur mediante estrategias para desarrollar habilidades de pensamiento crítico y creativo en línea de la educación para la comprensión.

Paulina Guarnieri, expuso el trabajo de la Fundación Proa de Buenos Aires, centro de arte contemporáneo que busca una fuerte presencia en su entorno social. Entre sus iniciativas, el centro cultural Nómade, que lleva a cabo talleres en el espacio público del barrio: http://centroculturalnomade.blogspot.com/

Una de las intervenciones que más me gustó fue la de Mónica Nador, artista brasileña que lleva años viviendo en un barrio de favelas de Sao Paulo (Jardim Miriam) y trabajando con estas comunidades a través de JAMAC, un punto de cultura creado por ella misma, a través del cual ha desarrollado proyectos comunitarios como el "parque para brincar e pensar", un espacio de juego y encuentro creado en lo que era un espacio residual de la favela, o su proyecto Paredes Pintura mediante el cual a través de la técnica del stencil, los vecinos decoran sus casas con los diseños que ellos mismos desarrollan a través de un taller de estampación:

El trabajo de JAMAC puede seguirse a través del blog:
http://jamacarteclube.wordpress.com/projetos/

La fotógrafa chilena Andrea Jösh expuso el resultado de su taller de fotografía desarrollado con las comunidades mapuche de Chile (taller Aiwin), en el marco de la Trienal de Arte de Chile de 2009. Inspirado en el proyeto TAFOS, de Perú, en una línea de etnofotografía contemporánea, en este proyecto las comunidades mapuche fueron invitadas a retratarse a ellos y a su entorno, con unos resultados realmente interesantes que se pueden ver en el Blog del taller:
http://talleraiwin.blogspot.com/

Imagen tomada del Blog del taller Airwin

Franklin Aguirre relató la histora de la Bienal de Venecia en Bogotá. Una inciativa crítica surgida de un colectivo de estudiantes de la Escuela de Artes Visuales en la capital Colombiana en el año 1994, en el barrio de Venecia, para generar un espacio alternativo para la creación de obras de arte público y comunitario, desde una perspectiva relacional y contextual. Las obras de la bienal deben estar realizadas a partir de la realidad del barrio y tomar como temática ese contexto concreto, en ella participan artistas locales, emergentes, profesionales e internacionales. Parte de la historia de esta bienal puede seguirse en el blog:
http://www.bienal-venecia-bogota.blogspot.com/

El seminario fue cerrado por el profesor de la Universidad de Málaga, Manuel López Melero, con una conferencia sobre el significado de la inclusión social, abordando el punto de vista de las personas con discapacidad, temática que, ciertamente, se echó en falta que no fuese tratada desde el punto de vista del arte y los museos en el conjunto de la programación del seminario.

Ciudades creativas

2011-09-20T11:11:00.001-07:00

La revista Creatividad y Sociedad, editada por la asociación Asocrea, publica números monográficos con estudios e investigaciones sobre creatividad desde diferentes puntos de vista: la educación, el arte, la empresa, la psicología, el desarrollo humano, etc.

Desde el número 10 sus contenidos se pueden descargar desde la página web de la revista. Se pueden encontrar monografías en relación con la creatividad y la ciencia, la publicidad, la eduación infantil, la educación musical, el teatro, el arte y la mujer, las TIC y, en este último número de septiembre de 2011, sobre ciudades creativas.

En este monográfico, en el que he tenido la suerte de participar, se pueden encontrar interesantes acercamientos a la idea de la ciudad entendida como un espacio para la creatividad social, compartida y renovadora del espacio público desde perspectivas del arte, el juego, la arquitectura, o los nuevos modelos de relaciones sociales y de participación.

Ruth Asawa

2011-09-09T16:07:00.000-07:00

Ruth Asawa, foto de Nat Farsman, 1954

Ruth Asawa, foto de Imogen Cunningham

Este verano en Estados Unidos he tenido la oportunidad de descubrir artistas realmente interesantes y completamente desconocidos para mi. Una de ellas es Ruth Asawa, con cuyas obras me encontré en el Museo de Young de San Francisco. Ruth Asawa es una escultora Californiana de origen japonés. Nació en 1926, y todavía vive y ha tenido una vida fascinante, con no pocas dificultades, pero comprometida desde el principio con el arte y la educación. Sus padres, inmigrantes japoneses, eran granjeros (aunque sin tierra propia ya que esa época el gobierno americano no les permitía ser dueños de la tierra, tan solo explotarla) y su infancia la vivió llevando junto con su familia, una dura vida de trabajo. Ella y su familia vivieron las trágicas consecuencias que para los inmigrantes japoneses en EEUU tuvo la Guerra Mundial y el conflicto con Japón: en el año 42 su padre fue detenido y ella, su madre y sus hermanos, realojados en un campo de trabajo donde estuvieron cerca de dos años.

Su vocación artística fue muy temprana y sus estudios fueron primero de educación artística para pasar en el año 1946, a ser admitida en el Black Mountain College, la mítica escuela de arte americana (de la que prometo un post en las próximas semanas) donde tuvo como profesores, entre otros, a Merce Cunningham, Josef Albers o Buckminster Fuller. En concreto la relación con estos dos fue más allá de la de profesor-alumno, para llegar a ser una fuerte amistad. También conoció en esa época al arquitecto Albert Lanier, que sería su marido y a la fotógrafa Imogen Cunningham.

Tuvo una familia muy numerosa y ha vivido en San Francisco todos estos años, llevando a cabo una gran producción de obra que ha incluido también una gran cantidad de escultura pública, sobre todo fuentes, muchas de las cuales todavía pueden verse en la ciudad.

Trabajando con niños en el Alvarado Art Workshop

Me gustaría destacar también su dedicación a la educación artística en contextos comunitarios que la llevó a ser una activista a favor del poder del arte en la educación. Lideró el proyecto Alvarado Art Workshop, que comenzó como un iniciativa de los padres de los alumnos para introducir el arte en la escuela y crear talleres en los que trabajasen artistas voluntarios, entre ellos Ruth como madre de alumnos. Este proyecto implicaba la revalorización del trabajo artístico en el curriculum y la ralización de obras como murales para las paredes del centro o huertos y jardines comunitarios. Comenzó con una única escuela en el año 1968 y se fue extendiendo a más centros con los años hasta la actualidad, que se ha convertido en el San Francisco Arts Education Project, que supone un proyecto estable de artistas residentes para 20 escuelas públicas de la ciudad.

Dibujo y escultura de alambre

Sobre su obra, pues creo que aunque sea mínimamente, a la vista de estas imágenes se puede intuir su gran belleza, su delicadeza y a la vez su fuerza visual. En un viaje a Toluca, México en el año 1947 descubre la técnia de la cestería que usaban los artesanos locales lo que la inspirará para desarrollar esa técnica particular para trabajar el alambre con el que crea sus esculturas. Un en apariencia sencillo "loop", que le permite generar esa formas orgánicas que juegan de esa manera tan bonita con el espacio, con la forma y con la luz. Su trabajo tuvo una recepción muy fría por parte de la crítica en un principio, que lo "rebajó" a la categoría de "decoración doméstica", más que de escultura contemporánea, debido a su carácter artesanal de elaboración, lo que ha sido interpretado como un ejemplo de la tradición de la exclusión de la mujer de la categoría del "gran arte" moderno (Doman, 2007)

Imagen de parte de su instalación en el museo De Young

Escultura de Alambre

Ruth Asawa en fotografía de Imogen Cunningham

Otra parte de su trabajo escultórico se haya inspirado en la tradición del origami japonés y del trabajo con el papel y también tiene obras de carácter más lineal, más inspiradas en sus dibujos y con formas arbóreas. Para profundizar en la obra de Ruth Asawa se puede consultar la completa página web con su nombre o el estupendo catálogo del que he tomado la mayor parte de esta información y las fotos:

Cornell, D. (ed.)(2007): The Sculpture of Ruth Asawa. Contours in the air. San Francisco. Fine Arts Museum of San Francisco & University of California Press.

cita:
Doman, E.K. (2007): "Critiquing the Critique, Ruth Asawa's early Reception" en Cornell, D. (ed.): The Sculpture of Ruth Asawa. Contours in the air. Fine Arts Museum of San Francisco & University of California Press, pp.128-137

Un diseño genial

2011-09-01T14:25:00.000-07:00

He tenido la oprtunidad reciente de ver en el MOMA una exposición en la que se mostraba el boceto, junto con las primeras pruebas, del famoso diseño de Milton Glaser I love New York. Se trata sin duda de uno de los diseños más copiados, difundidos y reinterpretados de la historia y que con más acierto se ajustó a la tarea para la que fue pensado. A mediados de los años 70 el turismo en la ciudad de Nueva York estaba por los suelos debido al miedo que despertaba la asociación del nombre de esta mítica ciudad al crimen y la delincuencia. En el año 1976 el Departamento de Comercio de Nueva York encargó a la agencia en la que trabajaba Glaser un logo para una campaña para relanzar el turismo en la ciudad y despertar sentimientos positivos hacía ella.

No pudo ser más acertada su creación. Desde entonces ese logo se ha convertido en uno icono gráfico moderno y en uno de los diseño más exitosos de la historia. Estampado en todo tipo de objetos que se venden como recuerdos de NY ha probado su versatilidad no solo en esa posibilidad de adaptación a todo soporte sino en su posibilidad de ser transformado en cientos de miles de declaraciones de amor por todo tipo de ciudades, personas o cosas en todo el mundo. Lo curioso es que el logo estuvo pensado para una campaña de tres meses...

Boceto y prueba (debajo) de Milton Glaser en la exposición Standard Deviations: Types and Families in Contemporary Design, en el MoMa

En esta entrevista en vídeo el famoso diseñador es preguntado por el logo y muestra su satisfacción por haber creado algo que tanta gente ha reutilizado. El logo estuvo 10 años en uso libre hasta que se registró.Curiosamente Glaser no tiene el copyright.

Espacios infantiles de juego

2011-08-09T12:50:00.000-07:00

Parque infantil diseñado Isamo Noguchi en Atlanta, USA

El tema de los espacios para el juego en la infancia siempre me ha interesado. Es un tema multidisciplinar que implica áreas como la arquitectura y el diseño urbano, la educación, la creatividad, los juegos, etc. Por lo tanto se puede enfocar como objeto de estudio desde muchos puntos de vista. Arquitectónicamente se puede estudiar cómo diseñar los espacios para el juego a diferentes escalas: de ciudad, de barrio, de escuela y cómo diseñar los elementos para esos espacios. Educativamente es interesante el espacio de juego como un espacio que puede potenciar en mayor o menor medida el desarrollo de habilidades y capacidades, psicomotrices, creativas, simbólicas, etc. También para el estudio del juego en sí como un elemento cultural, socializador y educativo de extraordinaria importancia.

Como es un tema tan amplio y sobre el que llevo tiempo queriendo hacer algún post, no es mi intención ni mucho menos, tratar de abarcar con una única entrada todas sus posibilidades, y preveo que le dedicaré más entradas en este blog. Pero sí me gustaría dejar algunas pistas dispares pero muy inspiradoras como muestra de diferentes acercamientos al tema.

Hay un blog llamado Playscapes que es una fuente casi inagotable de información sobre este tema y en el que se revisan diseños de espacios y de elementos para juegos infantiles de todas las ciudades del mundo y de todas las épocas, pero es mucho más rico que eso y establece conexiones con todas las temáticas relacionadas (educación, arquitectura, arte, etc.). Muy recomedable.

En ese mismo blog descubrí recientemente un enlace a una página de la British Library denominado Playtimes: a century of children's games and rhymes y que forma parte de un proyecto de investigación sobre los juegos infantiles del pasado y del presente, con multitud de vídeos de muchos momentos del siglo pasado y del actual con escenas de juego en diversos contextos y situaciones (el patio del colegio, las calles...) También posee recursos para profesores y una parte para niños y la posibilidad de subir aportaciones de los propios niños sobre los juegos. En definitiva un sitio my útil para todas las personas interesadas en la temática de los juegos.

Finalmente una recomendación de una artista, una fotógrafa que me encanta, fallecida en 2009, Hellen Levitt, que posee unas maravillosas fotos, realizadas en las calles de Nueva York desde los años 40, y en las que retrata los juegos infantiles en las calles de la ciudad americana y por extensión lo que era la vida en la calle hacia varias décadas. Toda una reflexión sobre los cambios ocurridos en la ciudad entendida como espacio de descubrimiento y juego para la infancia.

Más información sobre Levitt en:
http://construyendofotografias.blogspot.com/2011/03/helen-levitt-y-su-lirica-urbana.html

Gabriel Orozco: la mirada inquieta

2011-07-25T13:07:00.000-07:00

Island within and Island, 1993,(40.6 x 50.8 cm)

Gabriel Orozco (1962) es un artista singular, difícilmente clasificable en ningún grupo o etiqueta artística. Esa es una de las razones por las que me gusta. De origen mexicano, pero residente y viajero del mundo, recorre con sus obras la escultura, la instalación, la cerámica o la fotografía. Sus trabajos se caracterizan por buscar nuevas formas de mirar y transformar los objetos cotidianos, una mirada a veces más lúdica, a veces más irónica, casi siempre poética e iluminadora.

Garbiel Orozco realiza un arte que el mismo define como "fácil", es decir que no parece requerir de gran destreza técnica ni del uso de herramientas sofisticadas. Muestra un gusto por lo simple y por el residuo, el desecho, y que a veces roza lo que se podría considerar no-arte. "I do silly things" dice el artista, "hago cosas tontas", mostrando ese diálogo entre seriedad y juego, entre la ironía y la intensidad de su poética. Lo suyo son, más que obras muy elaboradas,"gestos", gestos que rompen con la forma que tenemos de mirar lo conocido y nos proporcionan una metáfora, un juego poético con el que comprender de forma diferente lo real. Creo que muestra una creatividad extraordinaria en ese juego con los significados posibles de las cosas.

En su obra Dial Tone, del año 1992, recorta todos los números de la guía telefónica de Nueva York y los pega sobre un rollo de papel japonés, creando un "mapa" de la ciudad, una retícula que se puede abrir y "leer" que contiene a la totalidad de sus habitantes pero reflejados a través de un número.

Dial tone, 1992

En The yielding stone, de 1992, el artista crea una bola de plastilina, de peso igual al de su cuerpo, que hace rodar por las calles de la ciudad y va quedando impresa por los objetos que encuentra a su paso y que dejan huellas o quedan pegados a su superficie. Para el artista la esfera es una metáfora del cuerpo y de su vulnerabilidad frente al tiempo y la interacción con el espacio de la ciudad.

The yielding stone, 1992

En Chicotes, realizada para la exhibición de la Tate este año, crea una instalación con todos los restos de goma de neumático que ha ido encontrando en las carreteras, restos que guardan ya muy poco de su forma y características originales y sobre algunos de los cuales vierte aluminio derretido.

En un trabajo muy conceptual podemos encontrar aún así, algunas constantes formales como la idea de simetría o la forma circular. También existen constantes como la calle como universo con el que dialogar e inacabable fuente de inspiración y la fascinación que siente por los juegos que le lleva a crear obras con las que se puede interaccionar y jugar, o la idea de proceso y de colección y cómo los objetos se transforman y dan lugar a otros objetos que a su vez muestran conexiones con otros objetos y así.

Carambole with Pendulum, 1996

Su modo de hacer le entronca con la amplia tradición del arte objetual, del object trouvé surrealista o del ready made y de la poesía objetual y visual, sin olvidar una lectura política latente en muchas de sus obras.

Creo que es un artista que puede ser tomado como referencia y fuente de inspiración en un enfoque educativo para trabajar sobre los objetos, los juegos, las colecciones, la fotografía urbana o simplemente la creatividad entendida como una forma de mirar diferente lo cotidiano.

En los últimos años se le han dedicado dos grandes exposiciones, una de ellas, la del MoMa, generó una herramienta on line fantástica para acercarse de una forma contextualizada y muy interactiva a sus obras, con gran cantidad de trabajos y textos escritos y de audio del artista:

http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2009/gabrielorozco/#

Otra más reciente, de 2011, en la Tate Modern, que ofrece un vídeo (en inglés) de 9 minutos, muy interesante para un primer acercamiento a su obra:

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/gabrielorozco/default.shtm

En este otro vídeo "Loss and Desire" de art 21, hay 15 minutos dedicados a Orozco, donde el artista explica algunas de sus obras más conocidas, trabajar con arcilla y otros materiales y realiza esculturas en las calles. Éste es el primer fragmento:

Watch the full episode. See more ART:21.

Una entrevista (en castellano) se ofrece en este link de la revista Letras Libres:

http://www.letraslibres.com/index.php?art=11697

Google Art Project: mirando el arte de cerca

2011-07-10T15:27:00.000-07:00

Desde que Google lanzó Google Art Project, estoy fascinado con la calidad de esta herramienta y con las posibilidades que ofrece para acceder a los detalles más pequeños de los cuadros fotografiados y a todos los matices derivados de la técnica pictórica empleada. El menú inicial está ordenado por museos, una vez entras en ellos puedes ir directamente a las obras o moverte por sus salas con la tecnología de streetview. Una vez seleccionado un artista tienes una información básica sobre su vida y puedes buscar qué otras obras están disponibles en Googleart. En una concepción 2.0, puedes crear y guardar tus propias colecciones de obras, comentarlas y compartirlas.

Para quien no lo conozca todavía, se trata de un excelente recurso para emplear en el aula que posibilita la visión de obras de arte como nunca antes habíamos visto. Ya llevan 17 museos en su registro y un número importante de obras. Esperemos que siga creciendo para poder seguir disfrutando de ello.

Las cartas de Van Gogh

2011-06-01T14:59:00.000-07:00

El museo Van Gogh de Amsterdam, en colaboración con el Insituto Huygens de Holanda pusieron en marcha en 2009 una gran exposición sobre las cartas escritas por Vincent Van Gogh.

Además del indudable interés que esta exposición tuvo en su momento, ambas instituciones desarrollaron conjuntamente una iniciativa destinada a hacer visibles a través de la web todo el material manuscrito del pintor holandés. El resultado de esa tarea de documentalización de las cartas del pintor es una excelente página web: http://vangoghletters.org/vg/ En realidad se trata de un volcado a la web de una muy cuidada publicación impresa en varios volúmenes que también se puede adquirir a través de esta página.

La página es un auténtico archivo documental con 902 cartas originales muy bien escaneadas, con imágenes en muy buena resolución y comentadas, que además del documento en sí, ofrece la posibilidad de poder leer la carta traducida al inglés.

Las posibilidades de estudio y disfrute de este legado se amplían on line con la posibilidad de buscar cartas según a quién fueron dirigidas o de quién venían, por el lugar desde el que las escribió Van Gogh, por fecha, o incluso, y esto es bastante interesante para nuestro ámbito, por si tienen o no dibujos. La navegación por la página funciona a base de enlaces que conectan ideas o fechas lo que la hace bastante dinámica aunque un poco compleja al principio. También se puede acceder a unos textos muy completos sobre aspectos históricos, biográficos y contextuales que ayudan a entender a Van Gogh como escritor y lo que las cartas supusieron para el artista.

Pienso que este recurso tiene un indudable interés educativo para ser usado en el aula desde muchos puntos de vista, ya sea para profundizar o acercarse al pintor holandés de una manera diferente o para trabajar ideas en relación el dibujo, con los procesos creativos o con aspectos sociales o culturales en relación con la creación en ese marco histórico.

Enter-Arte, aprender creando, crear aprendiendo

2011-05-15T10:46:00.000-07:00

Cartel de la exposición SuejObjetoS

Enter-Arte es un grupo de trabajo especializado en educación artística del movimiento de renovación pedagógica Acción Educativa. Desde 1998, el grupo reúne a un colectivo de docentes de la Comunidad de Madrid de todos los niveles educativos (Educación Infantil, Primaria, Secundaria y Universidad), implicados en pensar formas de innovar en la escuela y de mejorar la educación a través del Arte. El trabajo de este grupo se basa en desarrollar y gestionar proyectos artísticos y ser al mismo tiempo un lugar de encuentro y reflexión para la investigación y la creación en el contexto educativo.

Este colectivo ha tratado desde el comienzo de integrar dos líneas de trabajo, por un lado la conexión con el mundo de los museos y las instituciones culturales y artísticas de su ámbito geográfico y social y por otro la búsqueda de nuevos lenguajes creativos y de formas de expresión y acercamiento al Arte en las aulas. La primera línea de trabajo ha propiciado colaboraciones con instituciones como el Museo de América de Madrid, que colaboró con el grupo y les ofreción sus salas para exponer durante los años 2000, 2001 y 2002, o diversos centros culturales y artísticos de la Comunidad de Madrid en los cuales han expuesto en los últimos años, como el Círculo de Bellas Artes, o el Centro Tomás y Valiente de Móstoles. Por otro lado el grupo desarrolla otra línea de trabajo, la más importante, que tiene lugar en las aulas, en los proyectos educativos basados en el arte que desarrollan en ellas los docentes.

Folleto de la exposición ...a cuadros, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

La organización de exposiciones de estos proyectos en museos y centros de arte es el resultado final de un proceso que se inicia cuando el grupo se reúne para decidir las líneas de trabajo y las directrices de cada proyecto. Estos proyectos suelen ocupar todo un curso escolar. En esas reuniones se reflexiona y se debate sobre las temáticas que pueden ser tratadas, las metodologías más apropiadas y se revisan los artistas de referencia (normalmente de arte contemporáneo) que puedan guiar las lineas de trabajo. A partir de ahí, cada docente aplica a su centro las ideas que se han trabajado en el grupo. Esa es sin duda la gran riqueza de Enter-Arte, cómo la propuesta común es interpretada, apropiada y recreada en cada nivel educativo y en cada contexto particular. A partir de ahí existe una coordinación que intenta organizar y gestionar todo el trabajo de cara a la exposición final, donde se exhiben todos los trabajos realizados y donde se concluye ese camino iniciado meses atrás.

Algunas de las temáticas tratadas a lo largo de los años han sido: la vivienda, el hogar, desde el punto de vista de la diversidad humana y desde la idea del mundo como casa de todos (Una casa sin fronteras, 2001), la exploración e intervención en el entorno cercano mediante la idea del camino, el recorrido (Caminos con-sentidos: paseos para mirar, sentir y actuar, 2003), la importancia de los objetos para las personas como elementos generadores de significado (SujetObjetoS, 2004) o la última Pre-textos y Contextos (2010) en la que se investigó sobre la creación comunitaria tomando como vehículo el texto y la palabra escrita como vehículo de esa comunicación colectiva.

Imágenes de la exposición Pre-Textos y Con-Textos en el centro cultural Tomás y Valiente de Leganés (2010)

Imagen del folleto de la exposición Pre-textos y Con-textos

Si bien el resultado final mostrado en las exposiciones es importante por lo que tiene de visibilidad para el colectivo y para las escuelas y porque es una manera de reinvindicar su trabajo y de motivar y estimular a los demás, los miembros de Enter-Arte siempre han reivindicado la importancia de los procesos y de la innovación que cada proyecto promueve en las aulas: "una educación artística de calidad será más viable en contextos de aprendizaje que tengan en cuenta metodologías innovadoras que promuevasn la investigaciñon educativa, la participación de toda la comunidad escolar, la aceptación de la diversidad..."(Abad y Pérez, 2005:163) Es decir, que por encima de todo está lo que ocurre en las aulas y las posibilidades que estas ideas generan para mejorar día a día la educación a través del arte.

No es fácil mantener unido a un grupo numeroso y tan dispar de docentes a lo largo de 13 años, y que tras este tiempo conserven sus ganas de trabajar e implicarse para llevar adelante proyectos artísticos. Aunque yo no pertenezco al grupo conozco bien a varios de sus miembros y he realizado algunas colaboraciones puntuales con ellos, siendo testigo en muchas ocasiones de esas ganas y esa implicación.

Me gustaría ofrecer a continuación algunos enlaces que pueden ampliar la información sobre la trayectoria, la metodología de trabajo y las exposiciones llevadas a cabo por este colectivo. Su historia interesará sin duda a docentes y educadores, artistas e investigadores en educación artística. Y sería interesante que esta breve referencia pudiese servir para que grupos similares de otras partes del mundo conociesen la labor de Enter-Arte.

Quizás la reflexión teórica más completa y unitaria sobre la historia y desarrollo del grupo sea el artículo publicado en la revista Pulso: "Enter-Arte: aprender creando, crear aprendiendo. Proyecto 2004-2005: SujetObjetoS".

En el blog de enterarte hay una descripción muy completa y con mucha documentación visual de gran número de proyectos y talleres llevados a cabo en colegios, centros de arte y otros lugares.

La página web de Enter-Arte está incompleta, pero podemos encontrar dos textos del catálogo de la exposición SujetObjetoS.

Convocatoria ICOM Día Internacional de los Museos

2011-04-29T11:20:00.000-07:00

Desde 1977, a propuesta de ICOM (Consejo Internacional de Museos), el 18 de mayo se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Museo. Durante esta jornada es habitual la organización en los museos de visitas guiadas, conferencias, conciertos, talleres y otras actividades. Puede ser una buena excusa para acercarse a un museo cercano.

Cada año ICOM propone un lema que sirve de argumento de la celebración en todo el mundo. Este año el lema es “Museos y memoria”. ICOM España ha preparado un kit didáctico "pensado para ahondar en la capacidad de evocación de los objetos y el valor de la mirada creativa sobre ellos" en palabras de la propia organización.

Esta actividad se puede trabajar tanto en museos como en escuelas y la idea es que participe el mayor número posible de centros o museos y se pueda ver y compartir el trabajo de todos ellos, ya que la actividad se puede subir a you tube con este fin.

La actividad es sencilla y atractiva, está explicada de forma clara y se puede acceder al kit desde la página de ICOM España que hemos referenciado en esta entrada.

Paisajes humanos

2011-04-12T01:38:00.000-07:00

Obras de JR en la India, Cartagena y África

Jr es un fotógrafo y artista de street art que caba de ganar el premio TED de este año con su proyecto Inside Out. Las imágenes con las que JR interviene en el paisaje urbano se han convertido en pocos años en un sello de autor fácilmente reconocible. Se trata de fotografías en b/n y a una gran escala de rostros de personas. Estas fotografías se presentan sobre fachadas, tejados, muros abandonados o cualquier elemento arquitectónico susceptible de ser recubierto con esta nueva piel. Comenzó en el año 2006, con el proyecto: Portrait of a generation, realizando fotos de las bandas callejeras de los suburbios de París y recubriendo las paredes de las calles de esos distritos con esos retratos.

Imágenes de Portrait of a generation

Posteriormente ha llevado a cabo más proyectos con un contenido social similar como el de Face to Face, en los que retrata a palestinos e israelíes y los presenta sobre el muro construido por Israel, o el proyecto más conocido, Women are heroes, en el que retrata a mujeres de zonas deprimidas y conflictivas como las favelas de Río o lugares de África, en un intento de reclamar el papel jugado por las mujeres en esas sociedades y de proporcionar visibilidad a ese colectivo.

Bande Annonce Women Are Heroes por womenareheroes

En su web describe con una amplia documentación visual todos sus proyectos. El artista ha pasado de una cierta clandestinidad en sus primeros trabajos a encontrar un fuerte apoyo institucional en los últimos años. A la manera de Banksy, artista con el que comparte algunas inquietudes "activistas" y ciertas estrategias creativas, y de otros muchos artistas de street art, mantiene su identidad oculta, pero esto no es un obstáculo para la difusión y popularidad creciente de su trabajo.

No se puede negar que JR trabaja con una idea de fuerte impacto visual. A mi, en ese uso de la escala y el soporte arquitectónico me recuerda las proyecciones sobre edificios de Krysztof Wodiczko, aunque tiene este último una carga crítica mayor y un mayor trabajo de investigación con un estudio de casos de injusticia social más localizados.

Krysztof Wodiczko, The Tijuana Projection, 2001

Krysztof Wodiczko, Bunker Hill Monument, Boston, 1998

Pero buscando referencias conceptuales al trabajo de JR (reflejar la imagen de las personas anónimas) y mirando hacia atrás me remitiría sin duda a la obra de John Ahearn y Rigoberto Torres, dos artistas del Bronx que en los años 80 realizaban esculturas en escayola a partir de moldes tomados de los vecinos de ese barrio y las disponían por las paredes y fachadas. Ahearn y Torres estaban considerados unos artistas comunitarios modélicos lo que no impidió que en el año 93 fueron protagonistas de una conocida polémica muy referenciada en los estudios de arte público y comunitario, causada por el rechazo que entre los propios vecinos del Bronx tuvieron las esculturas de tres de sus habitantes. Ahearn continúa realizando este tipo de obras ya no solo en NY sino en otros lugares del mundo.

Existen, a pesar de las diferencias, paralelismos entre estos artistas: usar el arte público para visibilizar a aquellos que no tienen voz o presencia en la esfera pública, tomar como temática del arte público contenidos en relación con las comunidades que habitan esos lugares, generar, en definitiva un paisaje humano que encarne un discurso visual alternativo al discurso oficial.

John Ahearn y Rigoberto Torres, murales en el Bronx

John Ahearn y Rigoberto Torres, murales en el Bronx

John Ahearn y Rigoberto Torres, murales en el Bronx

Vídeo de John Ahearn realizando sus trabajos

Reggio Emilia, ideas, conexiones e influencias en España

2011-03-12T10:41:00.000-08:00

Las escuelas infantiles de la región italiana de Reggio Emilia son conocidas mundialmente como las mejores escuelas de educación infantil. Iniciadas en los años sesenta dentro de un proyecto municipal, fueron impulsadas con el compromiso de toda la comunidad y enlazaban en sus principios educativos con la tradición de la pedagogía moderna renovadora, situando al niño en el centro de su concepción educativa.

Por su forma de entender la educación infantil estas escuelas siguen siendo una referencia única. Su coherencia y el interés pedagógico e ideológico de sus propuestas han generado multitud de investigaciones, publicaciones y colaboraciones, entre las más conocidas de estas últimas, las que han llevado a cabo con Howard Gardner y los miembros del proyecto cero de la Universidad de Harvard. Así mismo, también han generado una red mundial de escuelas que siguen sus planteamientos (Reggio approach), como en España las Escuelas Infantiles Municipales de Pamplona.

El ideólogo y promotor de estas escuelas fue el italiano Loris Malaguzzi, maestro y pedagogo, que comenzó a trabajar en ellas desde su fundación en el año 1963, hasta 1985. El pensamiento de Malaguzzi, con una energía, solidez y fuerza poética indiscutible, ha sido una fuente de inspiración para todas las personas interesadas en la educación infantil.

Para adquirir un conocimiento del enfoque de Reggio nada mejor que acercarse a sus proyectos a través de libro La inteligencia se construye usándola, publicado por Morata por primera vez en 1995, pero disponible actualmente casi en su totalidad a través de Google Books.

También es interesante seguir la descripción de primera mano, tras una estancia en las escuelas, que realizan Ángeles Abelleira e Isabel Abelleira, maestras de infantil, en su blog.

En el terreno artístico nos interesan las escuelas reggianas por su forma de entender el arte tanto como una herramienta de aprendizaje y de conocimiento, como una forma de expresión consustancial a la infancia. Las prácticas artísticas guardan siempre un papel protagonista en sus proyectos educativos, por ejemplo con el uso dado al dibujo que muy a menudo se convierte en una herramienta básica de análisis y comprensión de la realidad. En su trabajo tiene mucha importancia el "atellierista" o figura similar a la del artista residente; un artista que trabaja en la escuela acompañando y asesorando en el desarrollo de propuestas artísticas. También se le da una gran importancia al diseño y uso del espacio educativo, a la documentación rigurosa de todos los procesos y sobre todo al respeto a los ritmos y necesidades de los/as niños/as.

La exposición Los cien lenguajes de la infancia, que dio lugar al libro del mismo título, es el mejor ejemplo de los proyectos de aprendizaje emprendidos en estas escuelas. Otras publicaciones interesantes desde el punto de vista artístico son Children, Arts, Artists, que reúne los trabajos realizados a raíz de las visitas a la exposición de Alberto Burri, y Dialogues with places, donde se muestran las diferentes respuestas creativas y visuales, producto de la visita y el trabajo con el edificio del Loris Malaguzzi International Centre

En nuestro país ha sido Alfredo Hoyuelos, profesor de la Universidad Pública de Navarra y ligado también las escuelas infantiles de Pamplona el autor que más ha difundido las ideas reggianas. Hoyuelos es una referencia en la educación infantil en España y ha sido uno de los mayores difusores de la obra de Malaguzzi. En este artículo presenta su análisis de las escuelas reggianas y las lecciones inmediatas que se pueden sacar de ellas. En este otro texto, se detiene en el concepto del tiempo aplicado a la educación infantil ¿a qué ritmo y a qué coste queremos "educar" a nuestros/as niños/as?. Estos y otros trabajos son una muestra de sus ideas críticas con algunas de las tendencias por desgracia mayoritarias en la educación infantil en nuestros país.

Junto con Hoyuelos, y dicho esto literalmente ya que han colaborado en gran número de ocasiones, no podemos olvidar el trabajo que está realizando Isabel Cabanellas, también profesora de la UPN y una de las investigadoras en educación artística más importantes de nuestro país, desde sus primeras publicaciones sobre dibujo infantil, hasta hoy. De sus últimos libros destacaría Territorios de la Infancia, publicado por Graó, en el que analiza el tema de los espacios educativos desde una óptica pluridisciplinar. Las investigaciones conjuntas de Cabanellas y Hoyuelos se han centrado sobre todo en la observación del nacimiento de la expresión plástica en los bebés.

Blog del Museo Esteban Vicente

2011-03-09T14:37:00.000-08:00

No es fácil encontrar experiencias de educación artística interesantes a la vez que bien documentadas en el universo virtual. Por eso me he llevado una grata sorpresa al encontrar este sitio. Se trata del blog del departamento de educación del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia. Es de agradecer que las responsables de ese departamento se tomen tanto interés en dejar constancia, paso por paso, de cómo conducen las sesiones, de los procesos de trabajo y de los resultados de ese trabajo, ampliando en muchos casos la información relativa a la experiencia realizada con referencias y recursos artísticos relacionados. Un buen recurso para docentes de educación artística interesados en encontrar ideas para actividades y un buen ejemplo para ver cómo trabaja la educación un museo de estas características.

Todo esto lo plasman en su blog: http://www.memoriaenlamirada.blogspot.com/ que incluso ofrece propuestas abiertas de participación, ¡por si alguien se anima!

Textos visuales

2011-02-28T14:20:00.000-08:00

Sara Charlesworth (New Jersey 1947) es una fotógrafa y artista conceptual americana, que ha impartido recientemente una conferencia en el Guggenheim de Bilbao con motivo de la exposición Haunted: fotografía/ vídeo/performance contemporáneos, en la cual se puede encontrar obra suya.

No conozco en profundidad su trabajo, pero usa, al menos en parte de él, la apropiación de imágenes de los media y del mundo del arte. Me ha llamado especialmente la atención su serie de trabajos Modern History, realizados durante los años setenta.

En ellos la artista reproduce al mismo tamaño que el original portadas de periódicos, pero eliminando el texto y dejando únicamente las imágenes. El efecto que consigue es bastante interesante, de un gran impacto visual. La imagen, aislada del texto que la arropa en la página, interacciona con el resto de imágenes y aspectos normalmente disimulados como la situación o el tamaño, influyen entre sí para crear un texto, puramente visual, muy expresivo.

Las fotografías sin el anclaje de la palabra, parecen sugerir nuevas conexiones simbólicas y pueden prestarse más fácilmente a un análisis del papel de las imágenes en el mensaje periodístico y de las jerarquías visuales en la transmisión de una idea.

Incluso plásticamente, las series de portadas de varios días o de un hecho narrado por diferentes periódicos crean una composición visual de innegable fuerza, y que parecen poseer un código propio.

Intensidad

2011-02-19T04:45:00.000-08:00

Intensidad es la palabra con la que definiría la obra de la artista Shirin Neshat (1957, Qazvin, Iran) Su trabajo, que ha ido ganando en prestigio y difusión en la última decada, presenta una reflexión sobre los roles de género y ofrece una mirada, tan bella como estremecedora de la situación de la mujer en Irán.

A mi juicio su obra posee elementos que la hacen muy atractiva para ser trabajada en el aula, ya que conjuga a partes iguales valores éticos y estéticos. Es muy interesante el equilibrio entre visualidad y significado, la manera en la que un lenguaje plástico muy simple, pero muy depurado es vehículo de unas metáforas muy potentes.

Se puede estudiar su lenguaje visual, que aparece con unas constantes estilíticas muy claras en su obra, y a la vez se puede reflexionar sobre un contenido muy valioso en el que se combinan valores y conceptos complejos en esas relaciones entre feminidad y cultura que exploran sus creaciones.

Desde la conocida serie de fotografías en blanco y negro Women of Allah, de mediados de los noventa, en la que combina la imagen con la escritura, su trabajo ha ido evolucionando hacia el vídeo y el cine y hacia una obra fotográfica que ha ampliado su rango cromático y formal.

Quizás uno de los mejores ejemplos de esa combinación de intensidad visual y simbólica, y en este caso también musical, sea este video del año 1998: Turbulent

Presento a continuación una pequeña lista de enlaces para profundizar en el trabajo de esta autora:

Programa de tve, metrópolis, dedicado a Shirin Neshat

Entrevista en El Cultural

Entrevista en la revista Bomb por Arthur Danto (inglés)

Obra fotográfica reciente

Finalmente, y puestos a establecer relaciones entre lenguajes artísticos, se puede relacionar la obra de Shirin Neshat con la de Marjane Satrapi, otra autora iraní, en este caso la creadora del cómic Persépolis, que bucea en el universo femenino desde unas claves similares a las de Shirin, pero desde la visión más narrativa de la novela gráfica.

una web de dibujo infantil

2011-02-15T12:18:00.001-08:00

En esta web sobre dibujo infantil, creada por el galerista de arte Antonio Manchón, podemos encontrar un amplio repertorio de dibujos infantiles ordenados por edad y tipologías gráficas. El archivo documental es producto de la labor que Antonio Manchón ha venido haciendo, recogiendo y clasificando dibujos infantiles desde hace varias décadas y que ha plasmado también en un libro editado por Cátedra. El autor propone su propio sistema de clasificación tipológica y supone sobre todo un enfoque descriptivo más que interpretativo, dentro de un concepto clásico de evolución gráfica por estadios.

La web tiene un diseño limpio y es sencilla. Los dibujos están escaneados a una buena resolución y llevan la información sobre la edad, por lo que es un recurso que puede ser útil para docentes o estudiantes al ilustrar ejemplos de producciones gráficas de un amplio rango de edades.

Recursos didácticos en museos

2011-02-06T14:01:00.000-08:00

MediaMusea es un interesante blog que trata la relación entre los museos, la educación y los medios tecnológicos, un campo que crece a gran velocidad y en el que la web 2.0 y las redes sociales ocupan un lugar cada vez más predominante. Además del interés de sus posts el blog es un excelente archivo de información relativa a blogs y podcasts de museos y sobre museos.

En su último post (3-2-2011) ofrecen un recurso muy útil para los docentes. Se trata de una recopilación de enlaces a los recursos didácticos de los museos y centros patrimoniales. Los enlaces nos llevan directamente a aquellos materiales descargables como fichas didácticas, dossieres, etc. que los museos ofrecen gratuitamente en sus webs. El directorio de enlaces se puede consultar on line o bien se puede descargar directamente en pdf.

La creatividad y el cambio del paradigma educativo

2011-01-27T13:40:00.001-08:00

Aunque el vídeo que presento en este post no es extrictamente de educación artística, creo que es de vision obligada para todas las personas interesadas en la educación. Sir Ken Robinson es un experto en creatividad que se ha hecho bastante conocido en los últimos años debido a la gran difusión por internet de algunas de sus conferencias, como la de Schools kill creativity. Sus discursos combinan a partes iguales ideas poderosas con una gran habilidad para contarlas de forma divertida.

En este otro vídeo, la exposición de esas ideas está acompañada de una animación que traduce simultáneamente en imágenes sus palabras. Merece la pena por la forma y merece la pena por el contenido. Verdades sobre la educación y el papel de la creatividad en un cambio de paradigma que merece la pena tener en mente y sobre todo si nos las cuentan de una manera tan atractiva visualmente como ésta. Eso sí, está en inglés, pero el soporte visual ayuda mucho a la comprensión. Existe también una versión del vídeo con subtítulos.

Aprendiendo a través del arte en el Guggenheim

2011-01-22T01:14:00.000-08:00

El museo Guggenheim de Nueva York viene desarrollando desde los años 70 un programa educativo denominado Aprendiendo a través del arte, Learning Through Art. A través del programa el museo pretende promover el uso del arte en las escuelas a través de todas las asignaturas, esto es, no solo en el espacio reservado para la clase de arte, sino como una herramienta para aprender también en otras áreas. La idea surgió en como respuesta a la eliminación de las artes en la educación primaria en las escuelas públicas en EEUU, pero en momentos como el actual, en el que el tiempo para las habilidades artísticas es cada vez escaso en nuestro sistema educativo, la idea representa una manera inteligente de abordar este problema.

Además el programa promueve la figura del artista residente, esto es, del artista que trabaja en el aula en colaboración con el docente desarrollando el proyecto mano a mano con los/as niños/as en su propio contexto. Además se enfatizan los aspectos multiculturales y el desarrollo de la capacidad creativa y del pensamiento crítico como herramientas básicas de trabajo.

La web internacional del museo Guggenheim dedicada a este proyecto merece que nos detengamos a revisarla con atención. Ofrece una gran cantidad de recursos. Podemos encontrar en ella materiales como ponencias, documentos de investigación, artículos de prensa en relación con las principales líneas de investigación desarrolladas hasta el momento, también ejemplos de vídeos que muestran experiencias de aula de uso del arte como método de estímulo del pensamiento creativo, o una completa documentación de los proyectos llevados a cabo en las aulas a lo largo de estos años, que incluye unidades didácticas e imágenes de los trabajos realizados.

A imagen de su "hermano mayor" el Guggenheim de Bilbao ha hecho suya esta idea y la viene realizando desde al año 1998. Igualmente en su web podemos encontrar gran cantidad de proyectos ya realizados, con fotos y explicaciones de los mismos lo que lo convierte en buen recurso para ideas, en este caso en castellano.

Espacios para la fantasía en hospitales

2011-01-04T14:53:00.000-08:00

Dominik Lejman, "Découvertes Cartographiques", 2002 - Clinique pédiatrique de Varsovie, Pologne from Pauline Gagnepain on Vimeo.

El videoartista polaco Dominik Lejman trabaja creando instalaciones con vídeo en galerías, museos o espacios públicos. Su obra juega con la relación entre el espacio, los objetos y la imagen en movimiento proyectada sobre ellos.

Lo que me interesa especialmente es su trabajo en hospitales infantiles como el ejemplo que aquí muestro. Creo que este proyecto resulta fascinante. Con una idea sencilla consigue crear unos ambientes realmente mágicos en ese entorno tan hinóspito. El descubrimiento de esos animales por parte de los niños proporciona un motivo para la alegría y la ruptura con la dura realidad hospitalaria. Es un ejercicio de fantasía y creatividad con unas consecuencias que imagino muy beneficiosas para los niños, lo que hace que este trabajo sea especialmente reseñable.

Todavía queda mucho por hacer en los hospitales para mejorar la calidad de vida de los pacientes y para humanizar sus espacios y si hablamos de niños parece que con mucha más razón. El arte tiene mucho que decir en ese trayecto hacia el bienestar de los pacientes, ya sea a través del arteterapia con programas estables o simplemente con la implicación puntual de artistas como Dominik Lejman en una tarea tan especial como esa. En nuestro país todavía estamos en pañales en estos temas pero poco a poco se van haciendo cosas.

En esta publicación: Art en contextos sanitaris editada on line, por Trans Art Laboratori podéis encontrar otros ejemplos de experiencias realizadas por artistas en hospitales y otros espacios sanitarios.

Los juguetes de las vanguardias

2011-01-03T10:20:00.000-08:00

Todavía queda casi un mes (hasta el 30 de enero) para poder visitar la interesante exposición Los juguetes de las vanguardias, en el Museo Picasso de Málaga. Quien tenga la oportunidad no debería perderse esta muestra que explora, desde distintos puntos de vista, un tema muy rico en lecturas: la relación entre las vanguardias artísticas y la infancia.

Desde finales del siglo XIX hasta mediados del XX los artistas se sintieron atraídos por el mundo infantil. La infancia se convirtió en una metáfora de la libertad y la creatividad alejada de los cánones sociales y culturales y el juego como ejemplo paradigmático de esa acción libre y creadora.

En la exposición podemos ver diversas manifestaciones de esta atracción: en primer lugar los juguetes didácticos del siglo XIX como los dones y ocupaciones de Fröbel y múltiples derivaciones en juegos de construcción, puzles, tamgram, etc., también se pueden encontrar multitud de juguetes para niños elaborados por artistas, algunos de forma puntual como los juguetes de Picasso para sus hijos y otros realizados con una vocación más duradera como los conocidos juguetes de madera de Joaquín Torres García. También podemos ver juguetes de construcción elaborados por Lyonel Feiniger o Bruno Taut, muñecos circenses de Calder, marionetas y títeres de Paul Klee o Sophie Teuber-Arp, etc. Por último la exposición recoge también una interesante muestra de mobiliario elaborado para escuelas y habitaciones infantiles por arquitectos o artistas del siglo XX como Rietveld, Charles y Ray Eames o Alvar Aalto.

En resumen una caleidoscópica y completa visión de lo que pueden hacer los artistas cuando piensan como y para los niños. Para los que no podais asistir a la exposición pero os interese el tema, el museo ha pubicado un excelente catálogo, muy bien editado en lo referente tanto a textos como ilustraciones.

Arte urbano, un ejemplo de los setenta

2010-12-26T11:15:00.000-08:00

Hace unos días no pude resistir la tentación de hacerme con el libro que ha editado la editorial TASCHEN: TRESPASS Historia del arte urbano no oficial. El libro (con un precio razonable para lo que ofrece), muestra una panorámica bastante completa del arte urbano o streetart. Es difícil definir este concepto pero podríamos decir que se trata de todo aquel arte que se lleva a cabo en los espacios de las ciudades de una forma independiente, no oficial, sin el control o visto bueno de las instituciones artísticas o de las autoridades. El exponente clásico es el graffiti pero actualmente va mucho más allá de éste e implica todo tipo de intervenciones en el espacio público, desde aquellas que buscan una relectura creativa del mismo hasta planteamientos más críticos y cercanos al activismo político. Para indagar más en estas cuestiones recomiendo la web Urbanario, un buen trabajo documental y crítico del arte urbano.

Uno de los aciertos del libro es que organiza las obras por conceptos (reclamaciones medioambientales, pensamiento mágico, uso del espacio, etc.) y que dentro de ellos, realiza una cierta contextualización histórica, refiriéndose a los artistas pioneros, remontándose casi siempre en esa búsqueda de los orígenes, al prolífico arte de los setenta, una fuente de ideas y experiencias que parece inagotable y al que siempre estamos obligados a volver para no perder las referencias.

Un artista cuyo trabajo siempre me llamó la atención y que he vuelto a reencontrar en este libro es Charles Simonds (1945). Este escultor neoyorkino realizaba en los años setenta pequeñas construcciones de arcilla en resquicios y huecos de paredes, escaleras y pequeños espacios abandonados del entonces degradado Lower East Side de Manhattan. Su trabajo se puede encuadrar conjuntamente con el de los artistas que denunciaron la transformación social y urbanística y la destrucción especulativa del Nueva York de los setenta (Gordon Matta Clark, Camilo Vergara, Martha Rosler, etc.) Sus construcciones, realizadas in situ remiten a ruinas arqueológicas, a un tiempo pasado, que en su personal mitología, eran habitadas por una mítica raza imaginaria que el denominaba "little people".

Su trabajo creo que es muy sugerente y que maneja metáforas bastante potentes. Simonds todavía desarrolla sus esculturas para museos y galerías y también en ciudades de todo el mundo, y en el año 2003, llevo a cabo una intervención en el barrio del Cabañal en Valencia, en relación con la presión urbanística que sufría y sufre este emblemático barrio.

Intervención en el barrio del Cabañal en 2003

En este vídeo del año 1972 el propio Simonds explica el sentido de sus creaciones y habla con los vecinos que se acercan curiosos a preguntarle por su trabajo.

Existe una versión actual, de la "gente pequeña" que habita la gran ciudad en el trabajo de Slinkachu: "Little people: a tiny street art project". Es divertido e imaginativo, eso sí, sin la carga simbólica a la vez que crítica del trabajo de Simonds.

Split milk

Wet'n' Wild, de 2010

Aquí podéis ver el trabajo de montaje in situ de la imagen de arriba:

Paisajes sonoros

2010-12-12T10:24:00.001-08:00

El premio Turner de arte contemporáneo se concede cada año, desde 1984, a artistas nacidos o residentes en Gran Bretaña. Han sido galardonados con él artistas tan prestigiosos como Anish Kapoor, Richard Long, Gilbert and George o Tony Cragg y también en su momento artistas menos conocidos pero tan provocadores como Damien Hirst. Este año la galardonada ha sido la escocesa Susan Philipsz. Por primera vez se ha premiado una obra sonora. Su nominación al premio Turner ha sido por su obra Lowlands, presentada en un festival de arte en la ciudad de Glasgow.

Para esta obra la artista canta una antigua canción escocesa del siglo XVI y emite esa grabación entre los arcos de un puente. La canción es un lamento de despedida cantada por los marineros escoceses. Encontró tres versiones diferentes de la canción y grabó las tres que resuenan en diferentes lugares del puente. El sonido de las tres versiones se mezcla según avanzas por ese espacio y la música se confunde con los ruidos y sonidos de la ciudad. La autora habla de cómo busca transmitir y promover una experiencia íntima ligada a los ecos de esa triste canción en un lugar público, un lugar de paso, en el que la gente no espera encontrar una atmósfera como la que crea esa melodía en ese ambiente. En realidad está creando un nuevo paisaje sonoro.

La artista, que comenzó como escultora, considera sus obras sonoras como una extensión o evolución de su idea de la escultura. El sonido para Susan Philipsz es un elemento que transforma, como la escultura, un espacio. Que hace que cambie nuestra percepción y experiencia del mismo. Esos sonidos pueden hacernos más conscientes del lugar y de sus características arquitectónicas o simbólicas. En su trabajo busca también la sorpresa y las reacciones que produce en el público ese sonido en un lugar no esperado, como puede ser un supermercado o un espacio público urbano.

El que este premio haya ido a para a una obra de arte sonoro indica el tirón que este tipo de arte posee actualmente. Muchos artistas están investigando con las posibilidades de interacción entre lo visual, lo espacial y el sonido. Es una idea muy atractiva y que puede tener diversas aplicaciones creativas y educativas. Un primer paso es ser conscientes del paisaje sonoro de nuestro entorno: ¿Qué sonidos existen a nuestro alrededor? ¿Somos conscientes de cómo condicionan nuestra experiencia cotidiana de la escuela, el lugar de trabajo, la calle, el barrio, la ciudad? ¿Hasta qué punto nuestra vivencia de esos lugares está influida por los sonidos? ¿Qué tal como primer paso, coleccionar sonidos y realizar un mapa sonoro de nuestro entorno?

Hojas

2010-12-04T03:08:00.000-08:00

Obras de Andy Goldsworhty, 1986

El otoño pone a nuestra disposición un material excepcional para la creatividad artística. Las hojas son un elemento plástico versátil y con multitud de matices en cuanto a color, forma, textura o tamaño. En los colegios es un recurso que suele emplearse con frecuencia en esta época del año para decorar las paredes del aula pero pocas veces se investiga sobre las verdaderas posibilidades creativas de este objeto tan especial. No hace falta una técnica compleja para trabajar con las hojas. Tan solo una observación atenta, sensibilidad y un cierto hábito para recolectar y clasificar. En el aula pueden servir como recurso de trabajo interdisciplinar y pueden generar ideas para poner en práctica procedimientos de observación, seriación, clasificación y creación artística. Para la creación artística es interesante explorar sus posibilidades para trabajarlas in situ, en el jardín o parque cercano, creando así trabajos en relación con el lugar.

Hay muchos artistas que han trabajado usando hojas y otros elementos naturales. Quizás el más conocido sea Andy Goldsworthy. Este escocés es quizás el máximo representante de lo que podríamos considerar una tendencia esteticista del Land Art. Sus obras ponen en juego una extraordinaria sensibilidad al usar los materiales naturales como elementos plásticos. Su lenguaje visual es reducido, básico: punto, línea y plano, pero consigue unos efectos visualmente muy potentes. Sus intervenciones en la naturaleza son absolutamente respetuosas y nunca utiliza ningún material ajeno al entorno. La mayoría son efímeras, y solo existen como tales durante unos minutos u horas, el tiempo suficiente para poder tomar algunas fotos. Existe un documental sobre su obra llamado Ríos y Mareas (Rivers and Tides), altamente recomendable y que está editado como DVD en España. En este extracto en You tube podéis ver un poquito de su trabajo:

En su catálogo digital podéis encontrar algunos de sus trabajos más tempranos con hojas con la explicación de cómo está hecho cada uno. En este vídeo explica cómo elabora una obra site-specific para un Museo de San Francisco.

Podéis encontrar más artistas en esta línea de trabajo, como Nils Udo, en la página de Greenmuseum.

Kingsmead eyes

2010-11-27T10:34:00.000-08:00

Kingsmead eyes es un proyecto colaborativo entre el fotógrafo Gideon Mendel y 28 niños de la escuela Kingsmead en Hackney un multirracial barrio de Londres. Durante seis meses los niños, provistos de cámaras han tenido libertad para fotografiar su barrio, sus familias, amigos, su escuela... Al mismo tiempo el fotógrafo ha hecho retratos de los niños y de la escuela documentando el entorno y la comunidad. Un estupendo proyecto sobre el uso educativo de la fotografía.

Kingsmead Eyes from Kingsmead Eyes on Vimeo.

Cómo buscar arte en la web II

2010-11-23T09:28:00.001-08:00

A continuación describo otros recursos interesantes para localizar arte, la mayoría de ellos temáticos:

Ubuweb: inglés. Esta es una de mis páginas favoritas. No es una página para buscar obras de artistas clásicos o de medios tradicionales. Se trata de una web dedicada al arte más vanguardista y minoritario y los soportes menos tradicionales: sobre todo poesía concreta o sonora, poesía visual, happening, performance, arte sonoro, pero también videos y películas de infinidad de creadores. Un ejemplo del último descubrimiento: el documental de los años 70 de la BBC Modos de ver, basado en el libro de John Berger y dirigido y narrado por él mismo.

GreenMuseum: inglés. Es una web muy recomendable para búsquedas de artistas que trabajen en la línea del land art, arte ecológico y en general aquellos cuyas obras expresen una preocupación por cuestiones relacionadas con el medio ambiente.

El ángel caído: castellano. Una buena página de fotografía, con muchos autores actuales y fotógrafos no profesionales y también con un archivo donde buscar clásicos de la fotografía. Otras páginas interesantes de fotografía son photography now o masters of photography (fotógrafos clásicos y actuales).

Siguiendo con fotografía, el archivo fotográfico de la revista Life, con más de un siglo de historia en imágenes, la mayoría inéditas, está disponible en Google. También merecen la pena la página de la agencia Magnum.

Open Buildings: inglés. Excelente web de arquitectura. Incorpora no solo imágenes de los edificios, sino también los planos y toda la información relevante que además es subida y completada por los usuarios en un concepto web 2.0. Otra página para arquitectura es GreatBuildings

Universes in Universe. Es un recurso para tener una visión del arte actual no occidental, en concreto se centra en artistas de Asia, África y América del Sur. Se pueden buscar artistas por países.

Finalmente una curiosidad: GeoCodeArt: inglés. Situa obras de arte paisajísticas sobre todo de los siglos XVIII y XIX, en Google Maps, es decir, te da la localización exacta del paisaje representado. Útil para trabajar arte junto con geografía. Puedes buscar por obra, artista o localización geográfica.

Cómo buscar arte en la web (I)

2010-11-22T03:39:00.000-08:00

Buscar imágenes en la web nunca ha sido más fácil que hoy en día. Para estudiantes y docentes la posibilidad de acceder casi a cualquier obra de arte a través de internet en cuestión de minutos o incluso segundos es un recurso que facilita muchísimo nuestro trabajo.

Aún así, siempre es más fácil si sabemos cómo dirigir nuestra búsqueda. A continuación describo distintas formas y sitios para buscar arte en internet y la forma que considero más adecuada de utilizarlas. Comencemos por Google:

Google. Es insustituible como recurso para una búsqueda inicial y rápida. Es aconsejable en varios casos: cuando no tenemos una idea clara de cuál es el trabajo de un artista X y queremos hacernos una primera impresión, cuando buscamos una obra relativamente conocida o cuando necesitamos obtener imágenes de forma rápida. Ahora bien, Google tiene, a mi juicio, dos problemas principales:

El primero es la no discriminación de la información. Es decir, si introducimos un nombre pueden aparecer miles o millones de imágenes asociadas a ese nombre. Esto no quiere decir que todas las imágenes que aparezcan sean de lo que buscamos. Pueden serlo o no. Este problema sólo se puede resolver si conocemos bien la obra de ese artista o si comprobamos de dónde ha tomado el buscador la imagen y comprobando si ese sitio, en caso de duda, nos resulta de confianza (puede ser un museo o un blog por ejemplo).

El segundo es la calidad de la imagen. Muchas de las imágenes que ofrece Google son baja calidad y puede que no nos sirvan por ejemplo para una presentación para una clase. Sin embargo, el propio buscador nos proporciona un recurso para evitar este problema: seleccionar la posibilidad de elegir el tamaño de la imagen. Esta opción la encontramos a la izquierda de la pantalla y podemos seleccionar: grande, mediano, cualquier tamaño, mayor que o tamaño exacto.

Flickr. No es un buscador ni un portal de arte, pero es súper útil. Es un sitio para compartir fotografías. Lo que ocurre es que son tantas las personas que lo usan que se pueden econtrar imágenes prácticamente de todo. Muy útil para obras poco conocidas o inencontrables, para arquitectura, diseño urbano, graffiti, escultura urbana, y en general, y yendo más allá de lo artístico, para encontrar imágenes de cualquier tema. El problema es que algunas imágenes están protegidas y no se pueden descargar pero otras muchas sí, con licencia de creative commons.

El buscador de imágenes de las bibliotecas de la Universidad de Boston. Un portal enfocado a la búsqueda de arte e imágenes en general con cientos de links provenientes en su mayoría de otros buscadores y de fondos de universidades y museos de todo el mundo. Es un recurso muy bueno para buscar casi cualquier producto de la cultura visual: obras de arte y artesanía no occidentales, imágenes de anuncios publicitarios, manuscritos medievales, fotografías, mapas de todas las épocas, etc.

Si queremos usar un buscador más especializado, estás opciones son interesantes:

Artcyclopedia En inglés. Las ventajas de este buscador son, en primer lugar la posibilidad de hacer búsquedas por: nombre de artista, obra, museo, estilo, técnica artística, temática, nacionalidad y según sea hombre o mujer. Una vez en la entrada que queremos el buscador nos remite directamente a páginas de museos, de manera que las imágenes están agrupadas según los fondos de los citados museos. Además de esto artcyclopedia ofrece una importante selección obras escaneadas en una altísima definición, lo que nos permite estudiar hasta el mínimo detalle. El punto débil de este portal es que la búsqueda por colecciones en museos no es visual y o bien sabes que obra está en cada museo o tienes que ir entrando y saliendo en diferentes sitios hasta que encuentras la que te conviene.

Ciudad de la pintura En castellano. Este portal es una buena opción si lo que nos interesan son obras pictóricas, ya que se centra en este medio. En ese caso ofrece búsqueda por autor, obra, estilo, y también tiene un link de museos. Las reproducciones de buena calidad y los autores vienen con una pequeña contextualización biográfica.

El poder de la palabra. En castellano. Lo bueno de este portal es que no ofrece únicamente obras de artes plásticas sino también música clásica (que puedes escuchar on line), literatura (fragmentos), obras de arquitectura y de cine (con extractos de bandas sonoras). Puede ayudarnos a contextualizar obras de arte a través de ejemplos de lo que se hacía en otras artes en ese momento.

Inspiración

2010-11-16T01:33:00.000-08:00

La National Gallery de Londres está desarrollando un trabajo educativo y de mediación muy interesante a partir de su colección. Podemos encontrar todos sus programas e iniciativas en su página web en la sección "Learning". Hay una parte en esa sección llamada Inspired by the collection que intenta explorar el tema de la inspiración desde muy distintos puntos de vista ¿Cómo se traslada el potencial inspirador de una obra de arte a diferentes lenguajes artísticos? ¿Cómo una misma obra, puede ofrecer diferentes interpretaciones? La idea es ofrecer la obra de arte como un objeto generador de ideas, de resonancias, de emociones, y lanzar esta propuesta a diversos colectivos. Por ejemplo a colegios para trabajar la creación de historias mediante técnicas de cuentacuentos, dramatización, animaciones, etc, o a estudiantes de cine o de una escuela de diseño y comunicación para que elaboren un cortometraje o creen una ambientación sonora para una obra respectivamente.

El resultado, por lo que muestra la página, es altamente inspirador en sí mismo y muy sugerente. Sobre todo por el intercambio entre diversos lenguajes: pintura-cine-música-escritura-animación-cuentacuentos, etc. Además puede ser utilizado incluso como un recurso didáctico para trabajar en el aula ya que estas creaciones están disponibles en la web. Escuchar cómo suena Ofelia entre las flores de Odilón Redón, o ver una animación inspirada en un cuadro de Gauguin, nos da pie para sentir, imaginar o hablar a partir de esas obras o para generar nosotros nuestras propias obras inspiradas en ellas.

Animación inspirada en Harvest:Le Pouldu, de Gauguin:

El arte tiene derecho a ser malo

2010-11-13T02:50:00.001-08:00

De la expo de Hans-Peter Feldmann...

Una exposición de arte...

2010-11-12T16:12:00.000-08:00

Ese es el título de la exposición del aleman Hans-Peter Feldmann en el Museo Reina Sofía de Madrid. En ella la fotografía tiene un lugar principal, pero no solo la fotografía, también los objetos y las instalaciones. El artista nos habla sobre lo cotidiano, sobre los objetos y las acciones banales que nos rodean en el día a día y en cómo una mirada distinta sobre esos objetos o momentos comunes puede cambiarlos y encontrar en ellos una poética y una narratividad que pasa desapercibida ante el peso de la familiaridad.

Las obras de Feldmann nos pueden sorprender porque juegan con el límite de lo artístico, se mueven en el territorio difuso entre lo reconocible o no como arte. De ahí el título "Una exposición de arte". Como se señala en el folleto de la exposición: "Se podría decir que más que hacer arte se limita a encontrarlo y mostrarlo" Para ello el autor utiliza diversas estrategias como la repetición, la secuenciación de acciones o la descontextualización.

Su tabajo también nos habla de coleccionar, de la compulsión por la imagen y los objetos y de la necesidad de registrar, documentar, agrupar, mostrar esos objetos y esas imágenes. Desde un punto de vista educativo, estas ideas pueden generar interesantes actividades al hacernos reflexionar sobre lo que es o no arte, sobre la forma en la que miramos las cosas o sobre la capacidad narrativa y simbólica de los objetos.

En la página del Reina Sofía dedicada a su exposición podéis encontrar un vídeo con una breve introducción a su trabajo.

Campaign for Drawing

2010-11-05T08:58:00.000-07:00

Buenas ideas que vienen de fuera:

En UK idearon hace algunos años The Campaign for Drawing, una campaña para apoyar el uso del dibujo en las escuelas, no únicamente como actividad para el área de educación artística, sino como herramienta transcurricular, que pueda ser utilizada desde todas las áreas para diversos fines. La idea es que el dibujo como elemento comunicativo y como herramienta expresiva y de educación visual, puede ser utilizado por todos y para casi todo. Se han elaborado recursos y materiales y otro tipo de actuaciones.

Como parte de esta campaña de difusión se ideó un evento, The Big Draw, que se celebra anualmente y cada vez en más sitios de UK y del mundo. En este evento, docenas de artistas trabajan en un espacio público, museo, galería con todas las personas que deseen pasar un rato dibujando, es la fiesta del dibujo.

En España, ha habido una celebración de The Big Draw este año, en octubre, en el Museo Picasso de Barcelona. Podemos ver un pequeño reportaje del evento y un trocito de entrevista a Eileen Adams, alma mater de este proyecto y de otras muchas iniciativas de educación artística en UK desde hace varias décadas.

A ver si tomamos nota de iniciativas como ésta.

Dos Blogs de arte y educación

2010-11-05T01:47:00.001-07:00

Quería referenciar dos blogs de interés educativo para la didáctica de las artes.

El primero de ellos Construyendo fotografías lo lleva Noemí Peña, profesora de Educación Artística de la EU Cardenal Cisneros. En él podéis encontrar, tanto información y recursos para mejorar vuestros conocimientos y téncnicas de fotografía, como información sobre fotógrafos y proyectos educativos que usan la fotografía como medio de expresión y aprendizaje

En el otro blog, Arte e iconografía, Josué Llull, profesor de didáctica de las ciencias sociales de la EU Cardenal Cisneros, analiza obras de arte atendiendo sobre todo al aspecto iconográfico. En el comentario que hace de las obras trata de forma conjunta aspectos técnicos, de significado y de conexión con el contexto social, histórico y cultural.

Interesante como recurso para trabajar de forma conjunta educación artística y didáctica de las ciencias sociales a través del estudio del patrimonio.

Conect@. Museo y Discapacidad

2010-11-05T01:25:00.001-07:00

El Reina Sofía ha puesto en marcha un proyecto para integrar a las personas con discapacidad intelectual en el funcionamiento del museo. El proyecto consiste en la creación de un grupo de trabajo que integra 10 personas con discapacidad, 3 educadores del Museo especializados en accesibilidad, varios profesionales del Centro Ocupacional Carlos Castilla del Pino (APANID), y una investigadora sobre evaluación de la UAM. Juntos piensan sobre aspectos relacionados con la inclusión social de las personas con discapacidad y por supuesto con las condiciones de accesibilidad del museo, tanto a nivel arquitectónico como sensorial y comunicativo.

Nos parece original y valiosa esta propuesta por su forma de tratar el tema de la discapacidad, reivindicando la igualdad como forma de trabajo y la riqueza que aporta la diferencia de las visiones del museo.

¡VISITA EL BLOG DEL PROYECTO!:

conect@

Arte activista en el aula

2010-11-04T14:26:00.000-07:00

The Guerrilla Art Kit
Keri Smith, 2007

Este libro es una joya, yo lo compré en Londres hace un par de años pero ya se vende en librerías españolas. Un montón de buenas ideas para llevar el activismo artístico a la escuela. El diseño es tan atractivo como el contenido.
Propuestas para llenar el entorno de mensajes subversivos, para hacer que nos fijemos en lo que pasa desapercibido o para interpretar de forma creativa lo cotidiano. Adapta ideas del arte de los años 60 y 70 y del arte urbano para ser aplicadas en el aula de forma divertida y fácil. Apto tanto para primaria como para secundaria.

Engaging Places

2010-10-09T03:07:00.000-07:00

Revista inglesa on line de experiencias y recursos didácticos para trabajar a partir del entorno. Multitud de ideas interdisciplinares para aprovechar la arquitectura y el patrimonio para mejorar el conocimiento y la experiencia de los lugares.

Proyectos colaborativos en la TATE MODERN

2010-07-08T03:19:00.000-07:00

La TATE MODERN ha creado un interesante proyecto pedagógio llamado TURBINEGENERATION

Se trata de un proyecto abierto y colaborativo en el que participan escuelas de todo el mundo. Si eres docente y te apetece participar solo tienes que registrarte. El museo te asigna un centro asociado con el que trabajar. Para apoyar el proyecto se elabora un dossier pedagógico con sugerencias de trabajo, elaborado a partir de la obra que se expone esa temporada en la sala de turbinas. Esta temporada el artista es Ai Weiwei y a diferencia de años anteriores, ya tienen los dossieres en castellano y muchos idiomas más. También están disponibles en la web los dossieres pedagógicos de los años anteriores.

Hay una galería on line donde se pueden observar todos los trabajos que se van realizando.